Le design se différencie de l’art en ce qu’il a, lui, un but. Visuellement, cette fonctionnalité est exprimée en s’assurant qu’une image est le centre de l’attention, le point de focus. Les principes du design correspondent à certaines règles que les graphistes doivent respecter afin de créer une composition efficace dans le but de communiquer un message à une audience.
Vous êtes peut-être en train de vous dire «mais je pensais que le design était avant tout une discipline artistique ?» Si vous venez de démarrer votre entreprise ou que vous venez tout juste de vous lancer en tant que graphiste, vous serez peut-être tenté de rassembler les cinq premières typographies et couleurs qui vous sautent aux yeux en pensant créer quelque chose de tout beau et tout nouveau. Mais vous vous retrouverez probablement avec un design brouillon, peu abouti ou tout simplement pas très joli…
Le design graphique, tout comme toute autre discipline, adhère à certaines règles qui permettent de créer des graphismes équilibrés. Sans quoi, les designs seraient ineffectifs.
Nous allons voir dans cet article les 7 principes de bases qui vous permettront de créer des designs uniques et efficaces.
1. Accentuation
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Admettons que vous souhaitiez créer une affiche pour un concert. Posez-vous ces questions: quelle est la première information que mon public cible doit voir: le nom du groupe ou le lieu du concert ? Qu’en est-il du prix et de la date ?
Réfléchissez à ces détails importants et laissez votre cerveau organiser l’information et faites la mise en page de votre design de sorte qu’elle communique toutes ces informations dans l’ordre dans lequel vous l’avez imaginé. Si le nom du groupe est l’élément le plus important, placez-le au centre de votre design, ou choisissez une taille de caractère plus grosse. Vous pourriez également choisir une typographie grasse et percutante pour faire ressortir cette information. Renseignez-vous sur la théorie des couleurs et optez pour une combinaison contrastante pour que le nom du groupe soit immanquable.
Tout comme en littérature ou en architecture, si vous commencez à réaliser votre composition sans avoir préalablement fait un plan clair de ce que vous voulez communiquer, votre design ne sera pas réussi.
2. Équilibre et alignement
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N’oubliez pas que chaque élément que vous placez sur votre page ajoute du poids. Ce poids peut venir de la couleur, de la taille des éléments, ou de leur texture. Vous ne mettriez pas tous vos meubles dans un seul coin de votre salon, donc ne mettez pas tous les éléments «lourds» dans le même coin de votre affiche. Sans un certain équilibre, votre public cible se détournera de votre affiche. La symétrie des design permet d’atteindre cet équilibre en répartissant le poids des éléments autour d’un axe central. En revanche, les designs asymétriques se servent des différences de poids (en contrastant par exemple un élément très lourd avec plein de petit* éléments plus légers) pour créer une composition qui n’est pas symétrique, mais tout autant équilibrée.
Les designs symétriques sont toujours plaisants à l’œil, jusqu’à en devenir parfois ennuyeux… Les designs asymétriques sont plus osés et peuvent créer un réel intérêt visuel et du mouvement (plus sur ce point tout à l’heure !) à votre composition.
3. Contraste
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On entend par contraste ce à quoi la plupart des gens pensent quand ils trouvent que tel ou tel autre élément «ressort». C’est l’élément que l’on retient et dont on se souvient. Le contraste créé de l’espace et marque une différence entre les éléments qui composent votre design. La couleur de fond doit être significativement différente de celle utilisée pour les éléments en premier plan afin que les informations soient lisibles tout en créant une harmonie visuelle.
Si vous envisagez de jouer sur les typographies, il est crucial de bien comprendre les principes du contraste afin que le poids et la taille de vos caractères soient bien équilibrés. Comment votre public va-t-il repérer les informations importantes si votre texte entier est en gras ?
Observez les affiches qui vous plaisent autour de vous, et vous vous rendrez compte que l’on utilise généralement une ou deux polices de caractères maximum. C’est parce qu’on ne peut contraster des éléments de manière efficace qu’avec deux typographies majeures (ou même une typographie unique dans des tailles/poids différents). Plus vous ajoutez de polices, plus vous diluez l’essence de votre affiche.
4. Répétition
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En vous limitant à deux typographies majeures ou encore à trois couleurs principales, vous verrez que, très vite, vous devrez opérer un certain nombre de répétitions. Et ce n’est pas un problème ! On dit souvent que la répétition unifie et renforce un design. S’il n’y a qu’un seul élément en bleu, en italique et en sans-sérif, on pourra penser qu’il s’agit d’une erreur. Si trois éléments de votre affiche partagent ces caractéristiques, vous aurez alors créé un motif et êtes sur la bonne voie.
La répétition peut avoir un rôle important à jouer au-delà d’une affiche lambda réalisée pour une occasion précise. Les emballages de produits actuels ont clairement adopté la tendance des motifs.
Tous ceux qui s’y connaissent un peu en startup sauront que les premières choses dont vous avez besoin pour démarrer une entreprise sont (au moins) un logo de qualité à mettre sur votre site web, des cartes de visite et une bonne présence sur les réseaux sociaux. Et l’identité de marque ? C’est en quelque sorte un autre terme pour évoquer la répétition.
5. Proportion
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Le fait de regrouper les éléments qui vont ensemble peut permettre de leur donner de l’importance tout en restant discrets (pensez à une boîte en bas de votre affiche où vous ferez apparaître les informations concernant la billetterie, ou encore à une barre de recherche sur le côté de votre site web). L’équilibre des proportions de votre affiche ne peut être atteint que si chaque élément de votre design est bien proportionné et bien placé. Une fois que vous êtes passé maître en l’art de l’alignement, de l’équilibre et du contraste, vous devriez naturellement passer aux proportions.
6. Mouvement
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Pour revenir à notre affiche de concert, si vous avez décidé que le nom du groupe était l’information la plus importante et que le nom de la salle était la deuxième information la plus importante, comment feriez-vous pour communiquer cela au public ?
Le mouvement permet de contrôler les éléments d’une composition de sorte que l’œil du lecteur est naturellement dirigé d’une information à une autre. Le mouvement transforme votre affiche en une histoire ou un récit: le groupe joue, à tel endroit, tel soir, billets disponibles ici. Les principes évoqués ci-dessus (surtout l’équilibre, l’alignement et le contraste) vont tous dans ce sens, mais sans mouvement, votre affiche sera obsolète avant même d’avoir vu le jour.
Prenez du recul et observez votre affiche. Si votre œil reste «bloqué» quelque part sur la page, cela signifie qu’un élément est trop gros, trop marqué, légèrement décentré ou pas dans la bonne couleur. Reprenez votre design et ajustez en fonction jusqu’à obtenir un résultat harmonieux.
7. Espace blanc
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Tous les principes vus jusque là touchent aux éléments que vous ajoutez à votre design. L’espace blanc (ou espace négatif) est le seul principe qui traite de ce que justement vous n’ajoutez pas. Et c’est exactement cela: l’espace qui se trouve autour de chaque élément graphique de votre composition. Il s’agit peut-être du principe le plus périlleux pour les graphistes débutants. Souvent, aérer un design peut l’élever du rang de «médiocre» à celui de «superbe».
L’espace négatif ne sert pas à rien. Il crée une hiérarchie ainsi qu’une organisation des éléments. Nous associons naturellement l’espace avec la grandeur et le luxe. L’espace permet de dissocier un élément plus important des autres éléments présents.
Encore mieux, l’espace peut évoquer une image ou une idée entièrement différente du reste de votre design, et récompensera le lecteur pour son attention. Le logo ci-dessus repose sur l’utilisation active de l’espace négatif pour communiquer plusieurs idées en un seul design.
Comment mettre les principes du design en application ?
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Pas besoin de suivre ces règles à la lettre pour réussir son design. Certains graphismes très réussis ignorent complètement un ou plusieurs de ces principes et parviennent à capturer l’attention du public de manière efficace.
Regardez la couverture du livre de Rebecca Schiff, «The Bed Moved», réalisée par Janet Hansen. Elle a été l’une des couvertures les plus acclamées de 2016.
Mais avez-vous immédiatement pu lire la première ligne (Theeb) ? Vos yeux se sont-ils directement dirigés vers le M de Moved en bas de page, lequel est pourtant isolé des autres lettres du mot ? Ce design enfreint clairement les règles du mouvement et de l’alignement. Mais…. L’utilisation confiante de couleurs très contrastantes et la répétition de la structure font que le regard est naturellement porté vers le titre de l’œuvre et le nom de l’auteure.
Les informations essentielles sont communiquées. Le bref moment de confusion que l’on ressent au début est justement ce qui fait tout le génie de ce design.
Les éléments d’un graphisme doivent être pensés comme des objets indépendants en mouvement que l’on associe afin de raconter une histoire. Vous devez d’abord vous familiariser avec ces règles de base lorsque vous vous attaquez à un nouveau projet de design graphique. Et c’est seulement lorsque vous les maîtriserez que vous serez capable de vous en détacher pour voir émerger votre propre style.
